DVD/Blu-ray


O CINEMA DE MIZOGUCHI

De: KENJI MIZOGUCHI
Com: KINUYO TANAKA, YOSHIKO KUGA, ISUZU YAMADA
24.05.2016
Por Octavio Caruso
Seis obras de Mizoguchi finalmente recebem o tratamento de luxo que merecem em home video.

Elegia de Osaka (Naniwa Ereji – 1936)

Osaka, anos 30. Uma jovem se torna amante do patrão para poder sustentar a família.

Excelente para ver numa dobradinha com “As Irmãs de Gion”, esse foi o filme em que Mizoguchi sentiu que havia alcançado a maturidade profissional, o perfeito equilíbrio entre ideia e execução, amparado pelo roteiro de Yoshikata Yoda, o primeiro nessa longa parceria. Seu vasto currículo pré-1936, cinema mudo e falado, foi perdido, uma lástima saber que nunca iremos conhecer os passos iniciais dessa jornada de amadurecimento. Filmada em apenas vinte dias, a trama simples e, de certa forma, pessimista, ia de encontro ao momento ufanista dos japoneses, o que levou o projeto a ser banido das salas de exibição. A protagonista, vivida por Isuzu Yamada, sofre a pressão da sociedade e a rejeição da família ao aceitar envolvimento romântico com seu patrão, um homem casado e com ótima condição financeira, o que garantiria a ela a verba para resolver seus problemas. O que a torna fascinante e engrandece a simbologia da sequência final é que ela não se coloca como vítima, Ayako tenta se adequar ao molde tradicional da mulher de sua época, mas percebe que as figuras masculinas ao seu redor são apáticas, o que a leva a buscar formas de sobreviver, agir ao invés de reagir, formas de manter seu espírito vivo em uma realidade que a presenteia com um código de conduta absurdamente rígido em sua submissão. Numa analogia ao bunraku, teatro de bonecos onde cada “personagem” é manipulado por três titereiros, representado no filme em uma das cenas mais importantes, a protagonista manipula e é manipulada constantemente. Ao final, dúbio para alguns, mas que vejo com um significado bastante óbvio, a jovem caminhando na ponte, abandonada por sua família e pelo ex-namorado, reflete brevemente sobre as possibilidades em seu futuro. A cena inicialmente insinua que ela cogita cometer suicídio, mas, num belo gesto de coragem, o diretor ousa entregar uma espécie de final feliz para sua heroína, totalmente livre pela primeira vez, no rosto a cristalização da altivez, caminhando com passos firmes na direção da câmera.

Crisântemos Tardios (Zangiku Monogatari – 1939)

O filho adotivo de um ator renomado descobre que só é elogiado nos palcos e poupado das críticas por causa de seu pai.

A primeira obra-prima de Mizoguchi, um geido-mono (melodrama envolvendo cenário artístico) psicologicamente adulto, trata da importância da verdade como elemento transformador. É bonito que o roteiro minimize as insinuações de romance entre o ator e a empregada, uma jovem que conquista seu respeito por ser a única pessoa que o confronta com a necessidade de melhorar muito em seu ofício. A amizade é forjada a partir de um despretensioso passeio noturno dos dois, com um enquadramento intimista que faz o trajeto parecer que está sendo feito em um hanamichi, a extensão do palco da tradição do teatro kabuki que é representado lindamente em algumas cenas. Há doçura na interação, desde a melancia compartilhada, passando pela reza silenciosa dela, até a preocupação com a ausência dela no trem. Em contraste com o peso da rejeição da sociedade com o relacionamento, essa doçura ganha ares de elegante rebeldia, no que, de fato, simboliza a revolução interna do rapaz. Kikunosuke, motivado pelas críticas de Otoku, pelo interesse dela em proteger ele da decepção que inevitavelmente viria com a falsa ilusão de grandiosidade, decide se tornar um ator competente. Mas há um viés curioso no desfecho, o que pode explicar o apelo do filme na época com o Ministério da Educação: o ator acaba fazendo as pazes com o sistema conservador que prejudicou seu relacionamento com Otoku, essa sim, a grande heroína da história, que se sacrificou em diversos momentos e se manteve fiel às suas convicções até o fim. Ele, mais do que o autoaprimoramento, buscava a aceitação profissional de outrem, reservando para a mulher que salvou sua vida uma discreta reverência, um agradecimento perdido entre tantos que oferta a uma multidão de estranhos em seu triunfal desfile de barco.

Os Músicos de Gion (Gion Bayashi – 1953)

Pós-guerra, distrito de Gion em Kyoto. A gueixa Miyoharu aceita Eiko, de apenas 16 anos, como aprendiz.

Com a morte da mãe, uma adolescente se vê obrigada a trilhar o mesmo caminho dela, tornando-se uma gueixa, como forma de fugir do assédio sexual de seu tio, o elo com o conceito familiar, alguém que estava disposto a fazer a menina pagar pelo funeral com sua virgindade. Novamente, Mizoguchi aborda a questão da representatividade da mulher na sociedade japonesa, o conflito entre a tradicional submissão/exploração e o aflorar dos impulsos naturais por uma individualidade livre de rituais predeterminados. Ao procurar o treinamento de gueixa com a experiente Miyoharu, uma relação tratada inteligentemente pelo roteiro com bastante ternura, com alguns enquadramentos sugerindo até mesmo um corajoso romance, ela decide forjar sua resiliência injetando um elemento novo na equação desgastada, a recusa de se deitar com homens que ela não considera interessantes, além da insinuação de que qualquer abuso cometido contra uma gueixa deveria ser punido por lei, um pensamento revolucionário pra época. Eiko encontra a voz de sua resistência, rejeitando a ideia de ter um generoso patrocinador. Quando seu pai aparece endividado e implorando por dinheiro, sem se preocupar com a origem do mesmo, a jovem percebe que sua função não a fez ser menos decente.

O Intendente Sansho (Sansho Dayu – 1954)

Japão, século XI. A família Taira é separada pelas lideranças feudais e passa por todo tipo de sofrimento.

É impossível transmitir a emoção que esse filme causa no espectador. Não há uma viva alma capaz de sair indiferente de uma sessão de “O Intendente Sansho”, essa é a obra perfeita para mostrar aos que, por desconhecimento, rejeitam o timing do cinema oriental clássico. O roteiro essencialmente fabulesco carece de um maior desenvolvimento psicológico dos personagens principais, estruturalmente recorrendo a flashbacks como forma de preencher algumas lacunas de acontecimentos, mas sem se aprofundar na forma como os mesmos afetam as pessoas envolvidas, um mundo interno que fica aberto a interpretações. Longe de ser um problema, essa postura narrativa reforça o real elemento importante para Mizoguchi, a mensagem que emoldura a belíssima sequência onde o filho visita o túmulo do pai, um governador que foi duramente punido por tratar com humanidade os camponeses da região. A necessidade de ser misericordioso, ainda que o sistema te conduza a agir de forma contrária, o que o falecido deixou como único legado para os filhos, lição preciosa, encontra ressonância na reação do povo do local, que, movido pela gratidão, faz questão de cuidar das flores que embelezam e dignificam o altar de sua memória. É nesse momento que o jovem Zushio compreende plenamente que o status social de prestígio que alcançou não tem valor algum quando comparado ao respeito que se conquista de pés descalços e caráter ereto, por ações corretas sem intenção de reconhecimento, o que o faz renunciar o cargo sem pensar duas vezes após cumprir seu objetivo, a libertação dos escravos do Intendente Sansho. A doce irmã, Anju, que sacrificou sua vida para que ele pudesse ter uma chance de redenção, acaba se unindo ao lamento da mãe, representada na trilha sonora como a flauta renitente que clama pelo reencontro, não tanto o físico de mãe e filho, mas o reencontro existencial do rapaz com valores nobres de sua infância, virtude que ele, por inclemência do destino, chegou a renegar. Mais do que uma obra-prima na filmografia de seu cineasta, esse filme é um patrimônio inestimável da história do cinema mundial.

A Mulher Infame (Uwasa no Onna – 1954)

Kyoto, anos 50. Uma jovem entra em conflito com a mãe, dona de um bordel.

Em sua execução, o filme menor da caixa, o único que eu não havia visto, comprova que até mesmo em um momento menos inspirado, o mestre japonês conseguia emocionar. Retomando o tema da prostituição após alguns projetos mais fabulescos, o roteiro foca na filha, vivida por Yoshiko Kuga, que, após anos de estudo de piano na cidade grande, retorna para casa e entra em confronto com a mãe, estupenda Kinuyo Tanaka, orgulhosa dona de um bem-sucedido bordel, ocupação que representa pra a jovem uma tradição vergonhosa, além de ter sido o motivo que fez com que o homem que amava a abandonasse. O figurino e o corte de cabelo remetem a uma jovem Audrey Hepburn, simbolizando a ocidentalização da menina. A postura dela causa revolta nas prostitutas, que trabalharam para pagar esse refinamento, uma educação que elas conscientemente sabem que nunca terão. O tom é menos melancólico do que os seus outros projetos no tema, mas a repetição do discurso é trabalhada com pouca criatividade.

Rua da Vergonha (Akasen Chitai – 1956)

O cotidiano de um bordel japonês do pós-guerra e os dramas pessoais de suas prostitutas.

Uma obra-prima crepuscular de um mestre que se manteve tematicamente coerente durante toda sua longa carreira no cinema. Para entender a importância de suas décadas dedicadas à crítica ferrenha da submissão da mulher na sociedade, motivada principalmente pela tristeza de ter visto sua irmã sendo vendida para a prostituição, basta analisar que, pouco depois da estreia desse filme, que foi peça fundamental nas discussões sobre a questão exatamente por não tentar romancear a vida degradante em um bordel, foi votada uma lei que bania a prostituição. O foco do roteiro não é tanto a figura feminina exposta à humilhação, ainda que a narrativa seja guiada pelas desventuras de cinco prostitutas que lidam com o trabalho de formas bem diferentes, mas a função social que permite esse tipo de tratamento. Mizoguchi novamente salienta a força de espírito das mulheres e evidencia a fraqueza dos personagens masculinos. Não é dada atenção à causa que as fez entrar pra essa vida, o interesse está em evidenciar que, apesar delas nutrirem esperanças em longo prazo de mudanças positivas, o destino será inevitavelmente sombrio e decepcionante. O final, mostrando uma jovem prestes a perder sua inocência na função, carne fresca que não compreende a dimensão do universo que está adentrando, cercada por possíveis clientes que caminham livremente, evidencia um ciclo injusto de poder e subjugação que não parece disposto a ser interrompido. Meses depois da estreia, o diretor faleceu de leucemia, mas sua mensagem foi passada com louvor em seu conjunto de obra.

Os filmes estão sendo lançados em DVD pela distribuidora "Versátil", com a curadoria sempre impecável de Fernando Brito, na caixa "O Cinema de Mizoguchi, Vol.2", que tem como conteúdo extra: apresentações em vídeo do colega crítico Sérgio Alpendre sobre cada obra.

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